Где грань между модой и искусством?
Искусство – дорога в вечность, дорога, которая будоражит, сводит с ума, и которую часто так и не находят.
Мода – сверкающий конвейер, где одна блестящая идея стремительно сменяет другую. Конвейер, имеющий подиум, за кулисами которого происходит многочасовая, многодневная, многолетняя изнурительная игра в шахматы.
Иными словами искусство тяжело создать, но зато оно сохраняется в истории на века. Мода же – продукт актуальности, отражение потребностей населения, она изменчива и находится под влиянием тенденций, сезона, спроса потребителя. Так считалось раньше, до момента, когда мода вошла в ранг искусства, когда общество признало ее не только индустрией, а целой историей. Иначе говоря, мода была слишком капризной, изменчивой и лишенной того самого идеала, которым обладало высокое искусство.
Не буду брать на себя ответственность назвать тот самый момент воссоединения моды и искусства, однако поговаривают, что первым модельером, назвавшим себя художником, стал Чарльз Фредерик Ворт, в 1858 году открывший свое модное ателье на Рю де ла Пэ. Ворт сделал акцент на имидже, чтобы люди видели в нем творца: он тщательно следил за своим внешним видом, создавая творческий облик, при создании некоторых своих работ вдохновлялся прошлым, например, полотнами ван Дейка, подобно живописцу искал вдохновение для создания образов, а также стал первым модельером, кто нашивал фирменные бирочки на каждое изделия, подобно художникам, оставляющим роспись на своих картинах. Одним словом, именно появление Высокой моды дало возможность дизайнерам перейти из ранга ремесленников, в ранг творцов, как когда-то в далёком 16 веке живописцы добились того, чтобы их признали художниками.
Сегодня современные мода и искусство расширили свои границы, окончательно переплелись и перепутались, изменили свои формы и границы, подарив обществу невероятные воплощения. Дизайнеры хотят уже не просто демонстрировать свои коллекции на подиуме, художники – не просто писать картины, а музыканты – не просто петь и играть на музыкальных инструментах. Они хотят быть услышанными. Услышанными, не как Создатели, а как Личности, которые могут подарить миру ещё больше, чем свой талант. А зрители, современные потребители, рады и поддерживают представителей богемы – им надоело общаться с немыми произведениями искусства, люди 21 века жаждут не просто хлеба и зрелищ, они жаждут правды, они хотят заглянуть творцу глубоко внутрь, узнать, о чем он думает, что скрывает, чем дышит, зачем живет.
Не потому ли так популярен стал вид искусства «перформанс», получивший также широкое распространение в модной индустрии?
Известнейшим примером стали творческие работы «бабушки» перформанса югославской художницы Марины Абрамович «Ритм 0» в 1974 году, который представил собой смесь сценического действа, тяжелого социального эксперимента и перформанса над телом и психикой. На стол были выставлены 72 предмета, одни предметы могли принести удовольствие, а другие боль, и даже убить. Сама художница стала объектом своего эксперимента, она отдала своё тело во власть зрителям на шесть часов. К концу шестого часа Марина осталась голая и вся в порезах, а также с прядью седых волос. «Я хотела показать одну вещь: это просто удивительно, насколько быстро человек может вернуться в дикое пещерное состояние, если ему это позволить. Полученный мной опыт говорит о том, что если оставлять решение за публикой, тебя могут убить», – так прокомментировала Абрамович цель своего эксперимента.
Ярким отражением того, как модные показы стали выходить именно за рамки «показов» на российском подиуме стали концептуальные коллекции молодого дизайнера Ромы Уварова. Только посмотрите на образы из коллекции «Болотный гламур», вдохновлённой образом Водяного из мультфильма «Летучий корабль», источник вдохновения вышел за рамки формы изделия, принта и цвета ткани, он стал полноценным участников каждого аутфита! Пшеничные колосья метафорично вышиты на платье, и крайне прямолинейно украшают причёски, рукава и лица моделей. Так, идея коллекции выходит на новое место, она не только даёт толчок для фантазии модельера, но и рождает важные детали, засчет которых зрители все больше погружаются в предложенную им историю.
Пример футуристического слияния моды и искусства можно найти в работах молодой художницы Устиньи Love, создающей космические полотна в синтезе моды, которые буквально погружают зрителя в самое сердце произведения. Придуманные ей модели одежды всегда сначала появляются на эпатажных фотографиях, которые сочетают в себе и коллажный, и художественный стиль обработки.
Устинья убеждена: «Мода в синтезе искусства – это сильнейший манифест, который стирает рамки и позволяет диктовать свои «тренды», неподвластные времени. Это про жизнь и личность».
